2013年10月11日星期五

41. 百年孤寂。談判。吉房。一年皇帝夢。The Cherry Orchard (in Toronto)




百年孤寂
看「愛麗絲劇場實驗室」的戲,單是導賞資料/演員心聲刋物,己值回票價,《卞夫卞的七個箱子(綱誌 27) 把場刋和導賞合拼成一本厚厚的冊子,《百》劇則一如《第三帝國的恐懼和苦難》(綱誌 36),在場刋以外,用一冊精美的《號外》,分享演員的心聲和資料搜集,更user friendly
導演陳恆輝《號外》裏的文章細述 Gabriel Garcia 幼年 (至八歲) 和祖父母生活的「孤寂的大屋」對他一生創作的影響,Time Out Hong Kong 訪問他的特稿中提到他跟Garcia相似的地方:小時都是由祖父母照顧。〝We both had magical grandmas. She told me all sorts of strange stories of our ancestors, just like Marquez's grandmother would.
其他各「編作演員」的撰文似乎是經過整體統籌,多元化,可讀性高。順序是陳瑞如詳細解釋「編作演員」的定義及要求,周家輝對自己的角色Colonel Aureliano Buendia的心聲,黄懿雯探討「戀母情意結」這課題,林鴻怡用了一個大自然的角度 - 炎熱的天氣 - 來思考劇中家族的孤寂,葉萬莊反映的卻是社會現象和政治黑暗,梁智聰則進入魔幻的一面看看練金術,蒙潔也從一個相近的觀點談預言和占卜,簡立强則宏觀 地討論「文明」侵略者入侵「所謂沒有文明的地方」這現象,最後是黎浩然對真實人物的連繫:哲古華拉和卡斯特羅。看這百花齊放,便知道這劇內函的豐富和演員 的全情投入。
《百年孤寂》原著英譯本數年前book club選讀過,在跨越七世代的故事中,對書的前部份第二代的人物印象較深 (Colonel Aureliano Buendia, Jose Arcadio, Rebecca, Amaranta, Remedios Moscote),劇本亦以這幾個人物為重點,圍繞着中心的Ursula Iguaran。至於如何把複雜的故事搬上舞台,「愛麗絲」用了種種不同方法,技巧:VO, Chorus, 形體,傳统台詞,以至映像上的文字。上說Time Out特稿也說 Such is the intensity and weight of the actors' performance that audiences will barely need to digest the dialogue which has been made sparse in favour of body movement and seamless visual presentation〞。此外,這文學巨著充滿符號,隱喻,歷史影射等等,可能嚇怕觀眾,對此Time Out報導陳恆輝充滿信心的話:Forget the symbolism, forget the Columbian history – you’ll understand it(Time Out Hong Kong Issue 82).
大劇團如HKRT和中英有固定的演員ensemble,「愛麗絲劇場實驗室」的演員中除了負有劇團常務的陳瑞如,簡立強,梁智聰之外,亦有經常參與演出的自由身演員,如黎浩然,黄懿雯,林鴻怡等,很好的穩定性。
談判
2004年看電影《203040》時已覺得楊淇 (Kate Yeung) 的表現絕對不比李心潔遜色:
http://www.imdb.com/title/tt0397229/usercomments-2

黄兆輝在《灰闌》(綱誌 28) 裏演親王一角,很少的戲份,已給觀眾一個很深的好印象:
http://hk.myblog.yahoo.com/fridaystage/article?mid=784

宣傳單張以兩人為賣點是收效的,但儘管是老生常談,劇本始終是一劇之本,編了這個高質素的劇,林宇庭的名字要細心找才看見,初時驟眼看到《The negotiation》,還以為是翻譯劇哩!
近數年獨腳戲流行,對「二人劇」的注意稍減,但細想看過的也有不少:Alone〞,笑之大學,愛情山手線,情信*,麥迪遜之橋*,相約星期二 (* technically不是二人劇,但精神上是)。雖然都是以兩個演員擔起全劇,但內容和手法各有不同,多姿多彩。再前一點,最精彩的有莊梅岩的〝新〞作《留守太平間》,和殿堂經典《風雨守衣箱》(The dresser)
二人劇的難處是要憑兩人的演出全程吸引着觀眾,《談判》更是難中求難,偏向虎山行,全無花巧,就是直落一場real time的戲,連分場也不用 (只有兩三次以火車經過的燥音稍作逗號),而能夠使觀眾一百分鐘全神貫注,兩位演員自是功不可沒,但最主要的還是「一劇之本」。
一開始是直入點題,沒有玩懸疑,劇中人的身份,關係,《談判》怎麼,清楚交待,吸引觀眾的是兩個〝c〞:conflictconfrontation。其實還有第三個:contrast - 熱/冷,急/緩,直覺/理性。觀眾的注意力給抓牢後,轉捩點來了,兩聲sorry後,火爆的他稍涼下去,冰酷的她稍暖起來,好戲在後頭。以後的發展是兩條主線交替:(1) 在男女懷緬過去中,兩人之間的微妙關係抽絲剝繭地展現 (2) 爭奪撫養權的衝突升級。在這一鬆一緊的節奏中,如一曲交響樂裏,一個個theme浮出來,飄過去,又再回來 (婚姻的意義,學生時代的豪情,現實的殘酷,近似obsession父對女的愛,男女之間純友情的可能性等等)
好劇本,還需要好演員,這劇的動力來自男主角,黄兆輝以無窮的能量,把一浪浪的張力推起來,楊淇的以靜應動,配合得好,細膩之處亦自有發揮,排演的努力在兩人在台上的呼應和默契清楚顯示。
吉房
如果想跟随北面神州的潮流,要把這個劇「定性」,必然不得要領,這正是《吉房》成功之處。劇季開始時的介紹冊子,以這個戲「懸疑之境」為marketing的重點,也是可以理解,相信不少觀眾會抱着看懸疑 (甚至恐怖) 劇的心情入場,但應該很快便明白不是這回事,因而調教了欣賞的焦點,結果是驚是喜,卻要看不同觀眾的個別反應了。
這卻不是齣《等待果陀》類型的荒誕劇。首先,《吉房》有一個很「實」的故事,辦公室裏的三角戀愛,只是用了一些「虛」的手法,如魔術表演中的「掩眼法」(sleight of hand),來一個角色大兜亂,先是男女主角可以身份互調,然後旁述者也隨時可以代入,最後六個Whatever的物體一樣可以参與。其實台詞無論從誰的口裏說出來也不打緊,重要的是內容,借題發揮,只要言中有物,沒有什麼不可以講,由虛無的「能量」,到人生道 理「了解別人的角度」,很濶的主題光譜。收結時神來之筆,把整件事掛勾到劇場生態上,把觀眾一下子變成劇中的原素,可記一功!
這齣陳煦莉的新作,請來三位很有份量的客席演員,朱栢謙不用多說,雖然今次沒有機會欣賞他的歌聲,但演出一樣精彩。不久以前《直子小姐》(綱誌 38) 裏看過的林沛濂,帶傷上陣,還不忘幽默地用日語謝幕。已頗熟悉的施標信,帶同五位高徒擔任「Whatever」六人組,讓觀眾欣賞到形體及以外的演出。看着看着,想起在2002年二月黑盒的《戀戀4x6(彭鎮南的創作),第一次看劇HKRT新面孔陳煦莉,黄慧慈和郭紫韻。後浪來得好快,《吉房》這羣年青的實習學員,相信很快又會成為劇場中常見的面孔。



一年皇帝夢



很高興趕到911的最後一場,更高興的是今次竟沒有jet-lag,還記得2001年看「中英」的《煉金術士》(改編自Paulo Coelho的世界級名著)jet-lag難當,坐的又是四面觀眾席的第一行,上半場將完時險沒有跌進演區,不得不忍痛放棄了下半場回家休息,至今仍耿耿耿於懷。扯得遠了。



隋手翻翻唐德剛《晚清七十年》最後一集《袁世凱、孫文與辛亥革命》,上半部談袁氏一生,從少年時講起,到了最後稱帝的尾聲,反而沒有細說,而下半部卻有不少《遍地荒菲》(綱誌 40)的歷史背景 (如關於「同盟會」等)。唐氏對袁世凱的定論,似乎是無做皇帝之實,卻揹了個做皇帝之名,本是個第一等大政客,偽君子,不幸受兒子愚弄,群小包圍,一念之差,偶一失足,變成了真小人。



看辛偉強的袁世凱,很自然會跟周潤發的袁世凱比較,看周潤發總覺得是周潤發,而辛偉強卻是成功的把辛偉強隱藏在袁世凱背後。如認為這是因為對周潤發太熟悉的原故,便大錯特錯。我看過辛偉強的演出,遠比看周潤發多,而他亦有一個很鮮明的形象,尤其是聲音和語氣,在這博客我也多次提過,是〝化灰都認得〞,今次成功地呈現一個舞台上的演繹的袁世凱,雖然也借助一流的化裝,但主要還是演技。



今次HKRT 特邀了少客席演員,雖然場刋〝其他演員〞頁中只有照片,未有介紹,熟悉的卻不少,如十分活躍的余俊峰,《女帝奇英傳》的梁翠珊 (綱誌 35),《愛情山手線》(綱誌 32) 的郭靜雯等。最高興的,是見到離巢後客席回歸的陳安然,演一個頗有份量的角色,一出場已是〝無聲勝有聲〞地吸引了觀眾,和辛偉強對手的一場,勾心鬥角,欲拒還迎,精彩百出。至於HKRTregulars,戲無大小,都全力以赴,貫徹的專業水準。



現今慣用的靈活舞台調度用得不錯,對哄托劇中各種情感很有幫助,但值得留意的,是有不少次讓觀眾看到舞台深處演員進回後台時的一瞥,已從角色變回抽離的演員,不免削弱了整體劇力。



The Cherry Orchard  (in Toronto)



“Where nature meets culture” is how artistic director Sten Eirik describes the open air Greek Theatre stage in Guildwood Park, with its eight Corinthian columns and arches. We sat on folding chairs arranged in two blocks in a lawn sloping slightly towards the stage. As the play started at 8 p.m. there was still plenty of natural light in the height of summer at latitude that far north on the Northern hemisphere. The amazing thing was that while we were concentrating on the performance on stage, we didn’t notice the “natural” world around us darken as lighting on the stage intensified – an excellent job performed from mechanical setups behind the audience’s area, where the lawn was understandably covered with sprawling cables. The stage was so well lit that it’s no different from an indoor theatre, until at intermission you suddenly noticed the dark shadows of tall trees looming around you. The sound engineering was also superb, giving the impression that the cast was not using any electronic enhancement at all (particularly when the microphones they were wearing were truly invisible). That is until one scene where the director Eirik, in a cameo role of a “passerby”, walked on the stage and spoke a few lines, and right away you could tell the difference – he was not wearing a microphone. So much for the technical side.

 “A lovely balance between light comedy and class-based tragedy” is one critic’s assessment of the overall performance. Chekov wrote The Cheery Orchard as a light comedy of sorts, but based on events tragic in nature: both the macro (social and political hardship) and micro (protagonist’s son’s drowning as well her financial difficulties necessitating the sale of her beloved family estate together with the titular orchard). It is however very much to the director’s discretion as to how to present this work on stage. Eirik’s approach, “a lively, fast paced spectacle that brings the essence of Chekhov’s pastoral bourgeois drama to life”, as the critic describes, is quite successful. He recognizes the caricature, clown, comic relief written into these various characters and the fine cast he assembled brought them to life on stage. At the same time, he did not lose sight of the poignancy inherent in the play. Elegant period costumes, tasteful scenic design, subtly melodramatic background music and the aforementioned superb lighting design all contributed to a very enjoyable evening of open air theatre.

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