敦煌流沙包
初看潘惠森劇的觀眾可能有點印象派的感覺，其實比起他一向天馬行空的作品，這劇已算是很有結構，在大約四份三時間，一場喪禮中，把人物關係和故事骨幹詳細交代。這完整性是來自真人真事的背景〔王圓籙「出賣」國寶事件〕，潘惠森在《導「想」》中也有說清楚。當然，劇中全部人物仍是虛構，說故事的手法仍是潘惠森的獨特招牌幽默感。
故事的推進有點似傳統西洋歌劇，對唱，三，四，五重唱以至大合唱。我說的所謂〝唱〞，當然是指對白，但開始時三女有一節梵唱式的三部三重唱，黄慧慈的
alto ，承托著陳安然和朱鳳嫻的二部 soprano，十分悅耳，值得一讚。結構亦變化多端，初時以為是三對〔陳安然/王維，朱鳳嫻/辛偉强，黄慧慈/劉守正〕，但不久劉守正便拆了出來和潘燦良對著幹，餘下的成變騎呢五人組。當然還有周志輝和劉紅豆的一對，和獨行俠黃先洸。
全劇中我最喜歡的是上面提過的一場喪禮。整個ensemble
cast 交足功課。最特出的是主角〔某程度上〕劉守正，看過他的演出實在不少，但記憶中似乎從未有這次的〝好火〞。喜見香港話劇團堅守不用咪的優良傳統。上次看《情信》，在温馨〔intimate〕的小劇院中仍要用咪，真百思不得其解！
魔笛
在這DVD普及的年代，普通觀眾都很容易欣賞到〝世界級〞的演出。《魔笛》是我的至愛，除了三，四套不同歌劇團的演出錄影外，也看過一次半現場演出
〔那〝半次〞是零六年十二月三十日 The Metropolitan Opera 的演出，以HD高科技向全球數大城市指定場地的即時轉播〕，對今次的要求自然較高。但在另一方面，這是莫扎特的作品，演出只要中規中矩，已足賞心悅〝耳〞，這演出雖然有不少可以改進的地方，看〔聽〕後仍是感覺良好。
先說亮點，其實也有不少。演員中最出色是黄英 (上述的〝半次〞也是她演出)，音質美，聲音控制無懈可擊，不同的情感表達也佳，精彩演繹了Pamina這一角的〝進化〞，成熟過程。曲目中全劇中最美的是男女主角，經過重重考驗後，最後一試勇闖水火二關前的二重唱。先是Tamino聽到Pamina遠遠的呼喚聲，之後先和兩門神來一段三重唱，隱隱然有煞氣。到黄英的Pamina進場，一轉調帶出詳和，温馨的一遍新氣象，接下去的二重唱，是全劇的昇華。黃英當然絕佳，但也靠水準俗的男高音配合。另一曲我極喜歡的是〝誓師出發〞前的五重唱，三女二男，發揮共鳴的美妙，此目這劇中有很滿意的演出，尤其是Three Ladies。
唱Sarastro 的 bass 和唱Queen
of the Night 的soprano，都有滿意的表現。Sarastro出場時開腔的一段，似乎畧催快了點，使這角色的壓場感削弱了些。演Papageno的baritone則使人有點失望。這角色和Tamino分擔了雙男主角，分別負責嚴肅和喜鬧的雙線，要求甚高。劇中的baritone，唱功平平，而演出也欠活力，Papageno這可愛的角色的魅力不能發揮，頗為可惜。劇中的Three Spirits，用了女聲soprano而捨原作的boy soprano (原著中其實是“Three boys”)，是個損失 (香港雖沒有Vienna Boys，但『香兒』中找不到嗎？)。劇中的女聲唱得不錯，但和精彩的Three Ladies，已成重叠了。而且Three Boys的意義很大，和Three
Ladies是天上和人間的對比，這份天上的靈氣，正是需和boy
soprano音色的原因。一本論莫扎特歌劇的書這樣說：The Three Ladies stand for human development at its lowest. They
have no imagination. The strict limit to their understanding is shown by their
inability to do more than set Tamino on the first stage of his journey (which
they see only in material terms). They can take him no further; it is the Boys
– higher beings – who will do that.
很高興見到的，是演藝學院陪育人材的驕人成績: 近年香港的歌劇和大型合唱團(聖樂團，巴赫等) 演出中，欣賞過的有盧思彥，譚天樂，葉葆菁，史韶韻，連皓忻，梁少瑩，吳凱珊等等 (譚天樂更是在他演藝學生時代，己看過他Orpheus in the Underworld 的演出)。另要 特別一讚的是陳晃相領導下的chorus，臥虎藏龍，是世界級水準。
不起床的愛麗思
繼和劇場工作室合作《這裏加一點顏色》後，香港話劇團今次又跟劇場空間聯手演出。看話劇時常在觀眾席上見到其也劇團的成員來捧場及觀摩，是十分高興的事，而今喜見他們在台上交流，更覺精彩。Alice此劇卻是陳煦莉的showcase
piece，她加入香港話劇團不經不覺十年了，沒有數過，是聽跟她同期的黃慧慈對甘國亮說的，黄已憑德齡一覺取得最佳女主角獎，Alice James能否成為陳的德齡，要看她的造化了。
Alice這戲其實跟《敦煌流沙包》有點相似的地方：形式上天馬行空，但卻取材於真人真事。但欣賞這劇不必太介意對美國的文化，文學，歷史背景不大熟悉。作者Susan Sontag自己也說過 “The woman who is trapped doesn’t have to be Alice James”. 雖然未必人人都是生於優質智識份子家庭的材女，但Alice James的故是畢竟仍是人性的故事，放諸四海皆準。
這戲在紐約上演時手法超前衛，台上除了Alice和小偷是〝真身〞，其餘都是高科技视象投射，觀眾和劇評人反應不一。很高興香港話劇團沒有走這路線，寬敞而又具細無遺場景給與觀眾很強的真實感，平衡了經常出現Alice 腦中的幻境，在沒有舞台。排練室式的黑盒劇場，我們坐第一行的觀眾，真正進入了Alice 的世界。
如上面說，這劇對陳煦莉的挑戰很大，大部份時間坐在床上這難度，比起《生殺之權》〔早年辛偉強得獎之作〕遝算是小兒科，最難的卻是兩人同飾一角的場口，表情在自己面上，台詞卻在別人口中〔林鴻怡，《父親對話》的一場〕。而我最喜歡的，是《羅馬旅行》，三個Alice, 死了的，現在的，以前的〔凌紹安，陳煦莉，林鴻怡〕，或坐，或半躺，或站在椅上，一條無形的直線串起來，使我聯想起 Celtic Women在Dublin Helix Center音樂會中一曲 Jesu
Joy of Man’s Desire的編排，視覺，感覺上的效果都竟不謀而合，異曲同弓。
卡夫卡的七個箱子
年舞台劇獎頒獎禮時已感覺未有看過『卡』劇有點可惜，重演自然不會放過。原以為是一齣頗前衛的作品，原來是脈絡分明，以布勞德處理卡夫卡的遺囑為經，卡的作品為緯，比『敦煌流沙包』更要主流。所謂七個箱子，分別演繹了他的名著〔蛻變，流刑地，飢餓藝術家等〕，及從他和父親，女伴等的關係中，探討他的性格。
『卡』劇的最佳導演獎，實至名歸。陳恆輝用了很多心思，把這齣集體創作〔場刋中說〝編作〞，想是不願掠卡夫卡的美〕，用一鬆一緊的節奏展現台上。舞台技巧變化多端，卻不濫用，集體舞只用了一塲，而第四個箱子則是純聲音演繹，視像也玩得出色，不落俗套。我最欣賞的是梁智聦的形體〔怪虫〕，如有這獎項，必屬他無疑。另開場時三個女演員的小組，卻使我聯想到最近看過的兩齣劇：『敦煌流沙包』和『魔笛』。
看慣了主流劇團，今回看實驗劇場，以為是全部不熟悉的面孔。卻喜見資深的陳瑞如，第一次看她是九五年九月和陳淑儀合演，中英的『萬福一千年』，以後欣賞過她的演出實在不少，包括電影版的『人間有情』。亦有剛在『不起床的愛麗思』裏的林鴻怡，和半年前『寢室物語』中最出色的黃懿雯〔網誌 No.23〕。不過無論看過沒看過，七位演員的整體合作和個別表現，都不遜於主流劇團。
最後，一個稍離題的聯想。網上找到的資料說，卡夫卡之所以把遺囑交托布勞德，就是看準對方不會依照指示把自己的作品焚毀，這不就是孔明使関公守華容放曹操的一招？
五四新青年
八年前看《幸遇先生蔡》後，擊節讚賞，如今對這齣承接該劇的《五四新青年》，期待之餘，亦難免有一定的期望，看它能否再提升。觀後的答案是：主旨一樣，劇種不同，各自精彩。但看這戲需要耐性，上半場說的是時下的故事，以一個大學生在校內搞一齣舞台劇為經，她的家庭生活和私人生活為緯，然後用「五四」和「六四」的歷史作backdrop。元素頗多，處理不錯，但終有點melodrama 味道，推進也略慢，稍欠凝聚力。卻不知一切都是悉心安排，珠玉全是在下半場最後三幕，來一個反客為主，故事原來只是backdrop，真正的主角出來了，是「五四」和「六四」的convergence，劇力萬鈞，感人肺腑，發人深省。而用戲中戲來收結 (演員是以劇中人物在校園演出後的身份謝幕)，亦是神來之筆。
這齣戲也是所謂通識教育的最佳一課，從五，六十年代華仁書院鎮校之寶「英語鑼鼓粵劇」至時下〝熱爆〞的Facebook農場遊戲都有。最主要的，是五四歷史的寶貴一課。而劇中反映此時此地的元素也很豐富：大學生生態，網絡世界，教育制度的問題，火紅年代浪漫青年今天的矛盾，「歷史」這人文科學在正規教育中的沒落。談到這裏，要向帶同小朋友看此劇的家長致敬，在他們的導賞之下，小朋友得益只怕比上一年所謂通識課程得到的還要多，同時也培養了終生受用，對舞台劇的品味。
演員主要是『冰鮮校員』的班底，加上幾位資深的舞台劇常客。自欣賞王曉怡『冰鮮』中實至名歸的得獎演出後，看了她幾套精彩壓場的偏鋒之作，今次是第一次看她演〝大路〞的主角，平實之中很見功力，同時她的咬字清楚，節拍掌握無懈可擊，就看她開場「五四」presentation 一段，不只是同期的演員，就是這十來年的，也無人能出其右。在『冰鮮』中同樣提名，絕對值得而可惜未能得獎的吳家良，今次雖然沒有太大發揮的空間，但他演來入型入格。胡麗英演的中學生，給她展視了新的戲路。至於資深的一群，最近看過凌紹安『不起床的愛麗思』中的行屍走肉角色，喜見她今次演活生生的現代人，難度不高，自是揮洒自如。何浩源形像鮮明的陳獨秀，在現代(初出場)和歷史(末場)的兩個塑造之間，亦層次分明。
奇幻聖誕夜
While 人情味 is something for which there isn’t an exactly
fitting translation, it wouldn’t be easy to render “Christmas spirit” into
Chinese that fully embraces what it stands for. For bringing to the hearts of
folks every December this wonderful thing called “Christmas spirit”, it’s long
been unanimous that Charles Dickens has done something that has yet to be
surpassed, in his immortal “A Christmas Carol”. I have actually been fortunate
enough to be part of a performance last year (nay, two years ago now) which
presented the entire text, read by a professional actor, punctuated at
appropriate intervals by various songs and carols sung by a full SATB choir.
But I digress.
To the audience of Hong Kong, the never-failing
HKRT brings a wonderful gift, a magical dose of Christmas spirit that is beyond
just the level of professional proficiency expected. This production, put
together with heart, energy and enthusiasm promises bring a memory of warmth
and elation for a long time to come. It wouldn’t be a simple task, nor is it
the intent of these brief “reflections”, to pay tribute to each and everyone
involved. Let’s say it’s a marvelous cooperative effort that does full justice
to Dickens. It’s wonderful to see the traditionally reserved theatre audience
of Hong Kong so moved. Even better, it is encouraging to see the young
generation (thanks to their thoughtful parents) responding so positively to the
magic of the Christmas spirit and the magic of the live theatre. (continued
below)
There is so much to talk about this resplendent
production that what I jot down here can be no more than “scattered thoughts”.
A stage production of “A Christmas Carol” makes and breaks on the casting of
Ebenezer Scrooge, and you’ll be hard-pressed to find a better choice than
Pichead Amornsomboon. The facts that HKRT takes the trouble to cast outside its
own top-notch ensemble proclaims as much. Within the HKRT, there is one whose
persona, charisma and talent uncannily resembles Amornsomboo’s. While I have
seen too many performances of each of them to mention, I don’t think I’ve seen
them together, until this. I’m talking about Lau Shau Ching, whose portrayal of
Jacoby Marley convinces me that he can be a good Scrooge too. And yes, I’ve
finally seen these two acting opposite each other and it’s such a treat. I’ve
promised a friend to provide some feedback on Chan On Yin, but that’s not why I
complement her for that elusive yet very palpable quality called “charm”. The
double role of Isabel/Helen offers Chan some moments, occasions to which she
fully rose but without overdoing. I could go on, but suffices to say that
watching this production is like having a big party with all the “friends” in
HKRT, some know for almost a decade and a half, some more recently.
This production also has an amazing quality of
having all the component parts – all top-notch in its own right – fit together
in near perfect harmony: set, lightning, costume, music, staging, sound …all
the way to small props. Top credit undoubtedly goes to Canadian director
Michael Dobbin. While not mentioned in the program, his involvement with the
Niagara-on-the-lake Shaw Festival was noted after some diligent Googling. I
might therefore have come across his work before.
As my reflections become progressively scattered
and random, I like to mention that seeing Wong Wai Chi on stilts in the couple
of fast moving crowd scenes she was in really put my nerves on edge, especially
the one with a few kids bumping around. That takes guts to stage. The
“puppetry” movement of Scrooge under her spell, on the other hand, brings up
images of what Papageno does to Monostatos with his magic bells. Anthony Chan’s
translations and Rensen Chan’s Chinese lyrics are always entirely dependable,
conveying aptly not only the story, but also the spirit and soul behind it. If
there is one tiny little thing that just doesn’t quite lend itself to
translation, it’s the motif in the form of a single bar or two (musically, not
alcoholically, speaking) “for he’s a jolly good fellow”. The irony of it would
only be recognized by those familiar with the tune. But nothing much can be
done about it in translation in this particular case.
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